比起“杜甫很忙”，这些课本插画才是最炸裂的？｜意外

早上堵车堵到怀疑人生，细想突然明白了，原来今天学生们开学了！

又是一年开学季，今天我们来一波学生时期回忆杀吧。

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你还记得我们小时候课本里的那些经典插图吗？



陈毅吃墨，珍贵的教科书，她是我的朋友，我的弟弟小萝卜头

这些画伴随我们整个童年时光，现在回头再看，亲切无比。

这其中有几幅是现在还挂在中国国家博物馆里的经典油画：



当年上学时看，光背诵全文去了，没怎么仔细观赏过这些画。

现在再回过头看，居然发现，这些油画总感觉哪里不太对……

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比如这幅六年级课本《冀中地道战》的插图：



《地道战》罗工柳，中国美术学院老教授，这是他第一幅油画

明明是一个光线昏暗的马厩，唯一的光源应该是头顶的那个破洞，但是画家却把整个环境画得很亮，像开了灯一样。

导致这幅画的光影很奇怪。

我们都知道受光面亮，背光面暗这个道理:



光线照射的越弱，受光面与背光面对比越强烈：

按照西方古典绘画的画法，这种场景的光应该画成这样：



英国工业革命时期画家 约瑟夫·怀特

教科书上的这幅画却削弱了光的明暗对比，到处都亮的很。

如果按照光影对比的原则，这明显是不符合事实的。

而且，要知道《地道战》不是个案，像这种不对劲的光，其他画里也有。

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比如这幅画大家熟得不能再熟的《南昌起义》:



这幅画是中国美术学院的老教授黎冰鸿所作，描绘的是八一南昌起义之前，周总理给起义军做战前动员大会的场景。

南昌起义的时间是8月1日凌晨2点。那么画里的时间点肯定是临近2点，也就是深夜。

单纯看画面，远处的天已经朦朦亮，房子都看的比较清楚：



黎冰鸿把深夜画成黎明，象征“黎明即将到来”，寓意很好。

但是，这幅画的光还是怪怪的。

因为这幅画的前半部分还是画深夜：



左边靠近灯光的亮，右边背靠灯光的地方黑。

可是到后半部分却成黎明了。

前后用光不统一。

为什么会出现光影不“合理”的情况？

你有没有觉得，这种不考虑“光明暗变化”的画法很像中国画，中国画就是只画物体的本来颜色，不考虑光照。比如：



蒋兆和《流民图》（局部）

这幅画和《南昌起义》一比较，显然黎冰鸿在画西洋油画同时，还借鉴了中国画不画光的理念。

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除了“光影”我们的老先生没按西方套路画，连另一个西画的基本原则也不遵守了。

这个原则就是近实远虚原则。

《井冈山会师》就是活生生的例子：



中央美术学院老先生林岗的这幅画，画面前部分的会师场景没毛病，后部分的群山有点奇怪。

这幅画远处的山，用色很纯，像一块青色布景，没有深远的感觉。



按照西画“近实远虚”原则，从色彩角度来说：离我们视线近的事物，用色纯一点，离我们视线远的事物，用灰一点。这么做画面有空间感，看起来立体。

中央美院教授朱乃正先生的这幅风景画，就是用了西画的这一原则。

用很灰的颜色把山推向了远处，画面的立体感起来了：



林岗显然没有完全遵守西画原则来画《井冈山会师》。

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上面说的三幅画虽然奇怪，但只不过是光和颜色的运用上不合常理。

要说最奇怪的非这幅画莫属：



《狼牙山五壮士》詹建俊，中央美院教授

大家从小就认识的名画《狼牙山五壮士》。

这幅灰黑色调的画里，五壮士直直地立在山顶，没有一丝动感，像被永远定格在上面。

一般的战争场景，是有着强烈动感的：



德拉克洛瓦《自由引导人民》，浪漫主义代表作

而《狼牙山五壮士》画的更像是一座纹丝不动的雕塑。

人物和山用了一样的黑灰色调，仿佛二者融为一体，像雕塑和它的基座:



《狼牙山五壮士》人物身上的刻画，没有转折，质感看起来很硬，这种身体的处理，很有雕塑的感觉：



作者詹建俊说，他就是要画出雕塑的感觉，充满力量，让五壮士像纪念碑一样伟岸。

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我们讲的四幅画，有光影不太对的、颜色不太对的，还有质感不太对的。是这些艺术家没有掌握绘画技巧，画错了吗？

当然不是，这些不太对的地方都是出于艺术家们创作的需求。

这种需求是什么呢？

就是“油画民族化”。

那什么叫做“油画民族化”呢？

就是把西方油画和中国艺术相结合，创造一种带有中国文化内涵的油画。

要说油画民族化的集大成之作，当属《开国大典》：



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这幅画很牛，挂在国家博物馆里，全国人都认识。但是这幅画的作者却少有人知晓。

作者叫董希文，是新中国一位很有才华的艺术家。



董希文

他生在民国初年，正是全国大力学习西方先进文明的时期。

1934年，董希文进入林风眠创办的杭州国立艺术专科学校学习绘画。



杭州国立艺专，1958年改 浙江美术学院，1993年改名中国美术学院

林风眠曾留学法国，深受西方现代艺术影响。



林风眠

回国后一直探索如何把西方的艺术形式融进中国绘画中:



林风眠办学，呼吁兼容中西艺术，弘扬中华文化。

他开明的学术思想启发了很多学生。

当代画坛名宿吴冠中、赵无极、朱德群以及全才木心皆出自他的门下：



左图：吴冠中、赵无极、朱德群

右图：木心

董希文也深受其影响。

为了搞清楚如何把西方艺术与中国艺术更好的结合。1943年，董希文去敦煌潜心研究传统壁画近三年。



敦煌壁画

1949年，为庆祝解放军进北京，他画了一幅水粉画《北平入城式》。

整幅画彻底平面化了；气氛灵动，有敦煌壁画神韵：



水粉画，用水调和粉质颜料形成的一种画，颜色透明。现为绘画初学者的必修课之一

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1952年，董希文在北京西部胡同的一件小屋子里，创作《开国大典》。

这幅画打破了透视原理，毛主席形象没有受透视法的限制，略微增高，形象突出而又不显突兀，刚刚好：



“高大全”的绘画风格出现了。从此，这幅画成了伟人标准像的鼻祖。

当然，这幅画能写进美术史，远不是靠这些微小的人物改动。

董希文把西方油画和敦煌壁画的技巧结合起来，创造了中国风格油画的先河，实现了油画民族化。

首先，敦煌壁画都是事物的本来颜色：



没有像印象派一样受光影响；



莫奈的《干草堆》，这一系列作品 记录每天、每季不同时间的光线

《开国大典》的用色主要是红色、蓝色和黄色组成。彼此互相不干扰:



其中红色和蓝色正是中国绘画的颜色，即“丹青”。

“丹”是朱砂，红色；“青”是介于蓝绿之间:



其次，《开国大典》用了近大远小的透视法，但是用色却没有用近纯远灰原则。



近大远小的透视法

因为董希文参考了敦煌壁画的用色特点：颜色远近一致：



所以天空上的云彩近大远小了，可蓝天的颜色却前后一致：



还有，柱子和灯笼前后的红色也一样：



《开国大典》虽然用的是西方的油画材料，但是绘画技巧却来源我们本民族的壁画。

平面化的红蓝黄颜色，不考虑光的变化，正是我们传统绘画的元素。

董希文很巧妙的把中西方艺术结合，推动了油画的民族化。

据说当年毛主席看到这幅画的时候，激动的说：“这才是我们中国的油画，大国的油画。”

建国初期，《开国大典》无疑是一个开山之作，为中国油画找到了一种新的可能性。



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其实了解完背后的故事之后，我自己也挺惊讶的，原来那些我们熟悉的课本插画背后，隐藏着一段中国艺术发展探索的故事。

从林风眠、董希文到吴冠中，一代代的前辈艺术家们都在为中国艺术找寻新的出路。



吴冠中结合西画的形式感画国画

我们课本里收录的这些油画，正是当年前辈们做出的一次又一次实验。

虽然用现在的眼光看，那些年代久远的画似乎没什么了不起，这些小小的步伐，不过是漫长艺术史之中微不足道的尝试。

但它却在当时的艺术发展语境底下，在中西艺术之间找到了一些结合的支点，这在当时都是振奋人心的破冰之举。

因为这些前辈做出的种种探索，让中国的绘画多了更多的可能性。

现在再回过头去看看课本的插图，或者我们再给孩子们讲课本插图的时候，也许可以想起，这里面关于艺术的一些深意。

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深度好文！